Backrooms

Der Indie-Horror-Hit „Backrooms“ von Kane Parsons basiert auf dessen eigener YouTube-Serie

Ist YouTube die neue Bezugsquelle für die Horrorfilmer von morgen? Nach den Philippou-Brüdern („Talk to Me“) und Chris Stuckman („Shelby Oaks“) war es nun an Kane Parsons, der mit „Backrooms“ seine eigene Kurzfilm-Serie über einen Internet-Creepypasta-Mythos in Spielfilmform bringen darf.

Wie auch die Vorlage ist die Filmversion von „Backrooms“ in der Zeit vor Handys und flächendeckendem Internet angesiedelt, was dem Horrorgenre ja manche Logikfrage ersparen kann. Eine Einblendung beim Found-Footage-Opener verortet das Ganze im Jahr 1990. Eine Person, offensichtlich Teil einer Forschergruppe, trottet durch unwirkliche Locations mit der Kamera in der Hand, die er natürlich auch nicht aus der Hand legt, als ihn jemand – oder etwas – verfolgt. Alles Wegrennen nutzt allerdings nichts, der Knilch wird gestellt und dann bricht die Aufnahme ab. Quasi ein Clip, wie er auch in der YouTube-Serie vorkommen könnte.

Anschließend lernt man die beiden Hauptfiguren kennen. Zum einen ist da Clark (Chiwetel Ejiofor), der Besitzer eines Möbelladens, zum anderen seine Therapeutin Mary (Renate Reinsve). In den Therapiestunden gibt Clark mehr zu seiner Hintergrundgeschichte preis: Er versucht sein Alkoholproblem in den Griff zu bekommen, das ihn seine Ehe und sein Haus kostete. Er lebt übergangsweise im Laden, versucht seinen Jähzorn und seine Kommunikationsprobleme zu therapieren. Mary kämpft ebenfalls mit Dämonen der Vergangenheit, denn auch das ist ein bekanntes Klischee, dass Psychotherapeuten im Film oft selbst Psychotherapie brauchen.

Als Clark eines Nachts mal wieder dem Geheimnis der plötzlich flackernden Lampen auf den Grund gehen will, findet im Untergeschoss einen versteckten Zugang zu den Backrooms – einer Parallelwelt voller Räume, die allerdings so designt sind, als hätten die Schöpfer klassische Raumarchitektur nicht verstanden…

Schaut euch den Trailer zu „Backrooms“ an

Schaut man auf die Produktionsseite von „Backrooms“, dann zogen gerade mal 20 Jahre alte Spielfilmdebütant Parsons und seine Webserie, die er im Alter von 16 Jahren begann, einige klangvolle Namen an, finden sich dort unter anderem James Wan („Malignant“) mit seiner Produktionsfirma Atomic Monster, „Stranger Things“-Produzent Shawn Levy und „Longlegs“-Regisseur Osgood Perkins. Ein mehrfacher Kollaborateur von Perkins wiederum ist Set Decorator Trevor Johnston („Sniper: Assassin’s End“), der mit seinem Team ein famoses Szenenbild erschafft, ohne großes Budget. An einer Stelle beschreibt Clark das Design der Räume so: Man beschreibt jemanden, der noch nie einen Hund gesehen hat, einen Hund und bietet ihn das Tier zu zeichnen. Er wird es teilweise richtig machen, aber das Ergebnis wird falsch aussehen. Genauso ist es auch bei den titelgebenden Hinterzimmern, die reale Locations auf bizarre Weise spiegeln. Gerade Details von Clarks Möbelladen tauchen dort in verzerrter Form wieder auf.

Clark (Chiwetel Ejiofor) findet die titelgebenden Hinterzimmer. © Courtesy of A24.

So bauen Parsons und Drehbuchautor Will Soodik, der zuvor nur für TV-Serien wie „Homeland“, „Westworld“ und „Ash vs Evil Dead“ schrieb, in der ersten Hälfte ein Mysterium auf, unterstützt von einem starken Sounddesign von Eugenio Battaglia („Heretic“) – ein weiterer Perkins-Regular. Je weiter der Film fortschreitet, desto eher hat man allerdings auch das Gefühl, dass Regie und Drehbuch nur bedingt etwas von Spielfilmdramaturgie verstehen. Selbst, als die Handlung sich zuspitzt, läuft „Backrooms“ im gleichen Tempo wie vorher, erzeugt keinen Sinn von Dringlichkeit. Der Plot ist wenig pointiert erzählt, verweigert sich zudem Erklärungen, was eine bewusste Entscheidung sein mag, das Ergebnis aber nicht befriedigender macht. Ein paar vulgärpsychologische Ansätze hier, etwas Erforschung paranormaler Phänomene dort, da darf sich jeder seine eigene Interpretation basteln oder es direkt sein lassen.

Leider fehlt es dann auch an Figuren, die einen so richtig mitgehen lassen. Clark ist ein runder Charakter, aber eben auch keine Identifikationsfigur: Seine Aggressionen hat er nur bedingt im Griff, was sowohl seine Therapeuten als auch seine Angestellten zu spüren bekommen. Dass die Suche in den Backrooms auch eine Sinnsuche für den gescheiterten Architekten ist, der verzweifelt seine Frau zurückwill, das wird klar. Bei Mary hingegen bekommt man ein paar handelsübliche Brocken zur traumatischen Kindheit via Rückblende hingeworfen, das macht aber noch keinen runden Charakter aus ihr. Alle anderen Figuren sind bessere Stichwortgeber und reine Schablonen. Und der Status als gehobener Thinking-Man’s-Horror wird spätestens dann fraglich, wenn eine Figur gegen Ende des zweiten Drittels eine Entscheidung gegen jede Logik trifft, für welche die Kritik jeden Teenieslasher dreimal kreuzigen würde.

Psychotherapeutin Mary (Renate Reinsve) wird über Clark in die Sache mit hineingezogen. © Courtesy of A24.

Darstellerisch geht das alles durchaus in Ordnung. Gerade Chiwetel Ejiofor („The Old Guard 2“) meistert seinen facettenreichen Charakter, mit dem man durchaus mitfiebert, auch wenn man ihn nur bedingt mag und seine Fehler sieht. Clark will sich bessern, steht sich selbst im Weg, und nie ist klar, welcher Clark dieses innere Kräftemessen gewinnen wird. Renate Reinsve („Der schlimmste Mensch der Welt“), der nächste Euro-Star auf Hollywoodausflug, hat die weniger dankbare Rolle, macht das aber ziemlich solide im Rahmen der Möglichkeiten, die das Drehbuch ihr lässt. Mumblecore-Größe Mark Duplass („The Lazarus Effect“) hat eine Nebenrolle als Geheimdienst-Wissenschaftler-Honcho, ist in seinen wenigen Szenen aber einfach nur da, ohne groß etwas zu reißen.

„Backrooms“ hat ein starkes Sounddesign und ein famoses Szenenbild zu bieten, steigt vielversprechend ein, wird in der zweiten Hälfte zunehmend unbefriedigend und in manchen Szenen unerfreulich geschwätzig. Für das Werk eines 20-jährigen Autodidakten teilweise durchaus beeindruckend, aber seinen Hype auch nicht ganz wert. Vielleicht auch ein Grund, warum die anfangs famosen US-Besucherzahlen schnell stark einbrachen.

© Nils Bothmann (McClane)

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Review Nr. 2: Untergeschoss des Grauens in „Backrooms“

Ein „Backrooms“-Teaser-Plakat.

Im Grunde hatte Kane Parsons mit seiner Found-Footage-Clipreihe bereits das ideale Format zur Verfügung, um seine „Backrooms“ auszubauen. So wie ein Maurer ohne Bauplan Ziegel an Ziegel setzen würde, sich wenig darum scherend, welcher Grundriss durch diesen ungeplanten Vorgang entsteht oder wie die obskuren Stillleben wirken werden, wenn man sie einmal darin platziert. Unverzichtbar ist lediglich das von summenden Leuchtstoffröhren erleuchtete Senfgelb der gemusterten Tapete und die erdrückende Dominanz reiner Geometrie.

Nur dass Parsons eben kein Maurer ist, wenigstens nicht im wörtlichen Sinne, sondern ein YouTuber und angehender Filmemacher, der sein Handwerk just in einer Zeit lernt, in der Hollywood erkannt hat, dass so mancher Vertreter der Szene dazu in der Lage ist, frische Konzepte vergleichsweise kostengünstig umzusetzen. So sitzt er nun im Alter von nicht einmal 20 Jahren plötzlich für A24 auf dem Regiestuhl und muss sich mit den neuen Problemstellungen auseinandersetzen, die so eine professionelle Filmproduktion mit sich bringt. Es braucht auf einmal einen Rahmen, eine greifbare Handlung und eine belastbare Dramaturgie. Also so ziemlich von allem, was Parsons YouTube-Clips konsequent meiden. Mit dem Abstraktionsgrad der YouTube-Clips würde das Vorhaben nämlich automatisch an der Erwartungshaltung des Publikums zerschellen.

Die Grenzen zwischen Realität und Surrealismus zerfließen

Ausgerechnet einen Möbelhausbesitzer und gescheiterten Architekten zum Ankerpunkt der Handlung zu erklären, ist daher ein dreister In-Your-Face-Move, denn direkter kann man die Verbindungslinie zwischen dem Protagonisten und der surrealen Welt bestehend aus tapezierten Wänden und Möbelstücken gar nicht ziehen. Chiwetel Ejiofor sieht sich als psychisch labile Hauptfigur in einer Linie mit Teresa Clark aus David Sandbergs „Lights Out“ (2016) oder Sosie Bacon aus „Smile“ (2022), und zwar dahingehend, dass seine Figur erst nachträglich auf ein Konzept maßgeschneidert wurde, das bereits seit einer Weile ohne sie existiert. Newcomer-Autor Will Soodik, der bisher nur an einer Handvoll TV-Serien mitgewirkt hat, arbeitet vor allem die psychologische Ebene des Konzepts heraus und führt auf diese Weite noch eine zweite Hauptfigur ein, Psychotherapeutin Dr. Mary Kline (Renate Reinsve).

Das klingt erst einmal alles eher vordergründig bis zweckmäßig anstatt tiefsinnig. Parsons macht aber aus der Notwendigkeit, seine abstrakte Idee in eine Handlung einbetten zu müssen, das einzig Richtige: Er setzt bei der Integration seines Produkts in den Rahmen auf den Uncanny-Valley-Effekt zwischen Produkt und Rahmen. Anstatt die nüchterne Realität dem surrealen Labyrinth aus dem Unterbewusstsein als Kontrast gegenüberzustellen, werden beide Welten einander angeglichen, bis nur noch die Intensität der Fremdartigkeit verrät, in welcher Dimension man sich befindet. Das Möbelhaus ist im Grunde gar nicht auf die Backrooms angewiesen, um selbst ziemlich unheimlich zu wirken.

In völliger Abwesenheit von Kundschaft, die eine Normalität in die überdimensionalen Stellflächen brächte, wird der Eingangsbereich des Ladens samt unterer Etage inszeniert wie die Permutation eines privaten Wohnbereichs, mit zu vielen Sitz- und Liegemöglichkeiten in falsch wirkender Anordnung. Auf der anderen Seite der Wand sieht es im Grunde sehr ähnlich aus. Im Gegensatz zu „Silent Hill“ gibt es dort keine dem Reich der Phantastik angehörende Höllenebene mit Rost und Fäulnis, sondern lediglich ein paar Alltagsgegenstände in ungewöhnlicher Anordnung, platziert auf Flächen, deren Anordnung keinen sichtbaren Sinn ergeben.

Aus den tiefsten Winkeln menschlicher Urängste

Der Horror, den „Backrooms“ erzeugt, ist dadurch auf angenehme Weise vielschichtig. Weder ist er auf Jump Scares noch auf andere Mechaniken angewiesen, die sich im Genre über die Jahrzehnte aus Bequemlichkeit eingenistet haben. Das mulmige Gefühl, das man während der Streifzüge durch die Gewölbe praktisch ununterbrochen verspürt, ergibt sich nicht zuletzt aus der Dekontextualisierung alltäglicher Muster, die hier ihres ursprünglichen Nutzens beraubt und in ein Vakuum gepflanzt werden. Auf einer tieferen Ebene wird zudem konsequent an diverse Urängste appelliert, die sich in der Gesamterfahrung des Films zu einer zähen Masse verwachsen: Die Angst vor Einsamkeit, die Angst, verloren zu gehen, vor Enge und Weite, davor, verfolgt zu werden, gefressen, vertilgt, negiert zu werden.

Was befindet sich wohl hinter der „Tür“? © Courtesy of A24.

Obgleich hinter den Wänden immer noch als vage Ahnung ein apokalyptischer Futurismus waltet, der in den Kurzfilmen noch stärker in Form von Wissenschaftlern in Schutzanzügen, Fabrikvorrichtungen und kryptischen technischen Anleitungen in Erscheinung trat, übernehmen zumindest auf der inzwischen deutlich herausgearbeiteten psychologischen Ebene eher alte Dämonen der Menschheit die Kontrolle. Es gibt etwa Verweise auf Märchen und Kinderbuchklassiker, allen voran auf „Alice im Wunderland“ mit seinen perspektivischen Irreführungen, die in winzigen, schwer erreichbaren Türen münden, welche den Zugang zur nächsten Ebene ermöglichen. In letzter Konsequenz handelt es sich aber aufgrund des labyrinthischen Aufbaus mitsamt einer darin hausenden Entität vor allem um eine Verfilmung der Minotaurus-Sage aus der griechischen Mythologie, mit allen Implikationen, die dazu gehören.

Der Horror der digitalen Generation

Dass Parsons aber zugleich massiv von der Popkultur seiner eigenen Generation beeinflusst ist, hier vor allem von den medialen Eigenarten moderner Videospiele, zeigt er in der Wahl seiner Mittel. Das Portal in die andere Dimension ist letztlich ein Glitch, die Figuren clippen einfach in die andere Ebene hinein, genau wie es Spielfiguren gelegentlich in der Spielumgebung zu tun pflegen. Die Backrooms als solche sind verzerrte virtuelle Nachbildungen der Realität, wie von einem Laien per Level-Editor nachgestellt. Eine Minecraft-Konstruktion, ein Little Big Planet, in dem ein bestimmtes Set an Polygonbausteinen zur Verfügung steht, damit der Spieler nach Herzenslust kombinieren und gestalten kann. Nur dass der Spieler womöglich eine KI ist, die überflüssige Duplikationen erzeugt.

Die Reproduzierbarkeit digitaler Flächen spielt dementsprechend eine wichtige Rolle im Raumdesign (bzw. Leveldesign, wenn man so will), das sich unverkennbar zum Herzstück dieser Produktion aufbäumt, kaum dass die Welt zum ersten Mal betreten wird. Aufgrund der redundanten Häufung von Sofalehnen, Wohnschränken und anderem Mobiliar geht es zwar teilweise mehr um CGI- und Zimmermann-Fachhandwerk als um Symbolik. Dennoch ist die Kadrierung, die neben den redundanten Objekten auch den leeren Negativraum in der Breite wie in der Tiefe als Gestaltungselement verwendet, auf ihre Weise einzigartiges Ausdrucksmittel, mit dem ein starkes Profil, somit also auch eine starke Marke für eine mögliche Franchise gebildet wird.

Das Creature Design ist lediglich eine Erweiterung der Raumeigenschaften, insofern die Bewohner der Räume ein Produkt derselben Maschinerie sind wie die Räume selbst. Aus dem minimalistischen Aufgebot an Kreaturen sticht letztlich nur die Entität selbst heraus, die ähnlich wie die lachende Gestalt aus „Smile“ als monströse Manifestation der inneren Ängste des Protagonisten in den metaphysischen Raum geschickt wird, um selbigen zu jagen.

Dass der Plot sich im weiteren Verlauf zunehmend auf eine andere Figur konzentriert, gehört zu den spannenderen Aspekten auf der konventionellen Ebene des Drehbuchs, das eher dann schwächelt, wenn es die Figuren entgegen ihrer Anlage in eine bestimmte Richtung drängen muss, um die Geschichte voranzutreiben. Als sich die Handlung gegen Ende gängigen Strukturen eines Stalker-Thrillers zuwendet, wird dem Filmformat endgültig Genüge getan, aber selbst hier bleibt man von dem Spießrutenlauf durch die absonderlichsten Winkel des Labyrinths gebannt, bis in den finalen Raum hinein, der würdiges Showdown-Material und komplettes Understatement gleichermaßen liefert.

Sie sehen… eine Wand! © Courtesy of A24.

„Backrooms“: Ein überzeugendes Regiedebüt

Die Regie fällt für einen dermaßen jungen Debütanten überraschend gefestigt aus. Ähnlich wie YouTube-Kritiker Chris Stuckmann in seinem Horrorfilmdebüt „Shelby Oaks“ nutzt Parsons das ihm bekannte Found-Footage-Format als Sprungbrett in die formalistische Ästhetik hinein, die sich in den vergangenen Jahren an der Speerspitze des Genres etabliert hat und ihn als Filmemacher entsprechend geprägt haben dürfte. Viele unscheinbare Einstellungen, etwa ein kurzer, befreiender Panoramablick vom idyllischen Berg auf die Kleinstadt im Tal, sind vorab bewusst darauf angelegt, die Wirkung der nachfolgenden Bilder zu maximieren. Das Mittel seiner Wahl, um den zunehmenden Kontrollverlust im Labyrinth darzustellen, ist ein Maximum an inszenatorischer Kontrolle.

Es ist zu erwarten, dass die Experimente der rätselhaften Organisation hinter den gelben Wänden im bereits bestätigten zweiten Teil wieder stärker in den Fokus rücken. Bis dahin wirkt Kane Parsons Debütfilm als perfides Horror-Gedankenspiel nach. Psychologisch bleibt es nicht zuletzt aufgrund der Zugeständnisse an das Spielfilmformat eher schlicht, aber effektiv. Die unterschwellige Spannung zirkuliert während der kompletten Laufzeit wie die Elektrizität, die durch den schiefen Kippschalter am Stromkasten in den Kreislauf gespeist wird, mündend in einen soliden Schlussteil. Seine eigentlichen Stärken bezieht „Backrooms“ nicht aus der filmischen Einbettung, sondern weiterhin schlicht und ergreifend aus der beunruhigenden Wirkung seiner Kulisse.

© Sascha Ganser (Vince)

Constantin Film brachte „Backrooms“ am 18. Juni 2026 in die deutschen Kinos, ungekürzt ab 16 Jahren freigegeben. Vor Ende des Auswertungsfensters entschied man sich aufgrund des erfolgreichen Kinostarts dazu, eine erweiterte Fassung mit dem Titelzusatz „Everything Must Go“ nachzureichen. Der Unterschied besteht lediglich in einer etwa 16-minütigen Sequenz im Stil der YouTube-Videos, die auf den Abspann folgen.

Am 25. September 2026 folgte die Heimkinoauswertung auf DVD, Blu-ray und in einer „Collector’s Edition“, bestehend aus UHD und Blu-ray in einer Kunststoffhülle mit Slipcase und drei Art Cards. Die UHD enthält dabei nur die Kinofassung mitsamt eines Audiokommentars der Macher. Die „Everything Must Go“-Version hat es weltweit nur auf die Blu-ray geschafft. Da der Hauptteil auf beiden Versionen aber identisch ist, kann man sich gegebenenfalls die Kinofassung auf UHD anschauen und den Nachschlag auf der Blu-ray. Diese enthält neben dem Audiokommentar auch weitere Extras, darunter ein Interview mit dem Regisseur, zwei Featurettes, Premierenclips und den Trailer. Ihr könnt den Film auch streamen.

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